與生滅的墨和契Arising and Ceasing of Nature with Ink自然的生與滅是否印證了時間的存在？藝術的存在是否也喚醒了我們對內心渴求自由的真正表達，水與墨，與時間，一直是大象藝術在詮釋當代藝術發展的重要精神，今年，邀請到王舒野、田衛、何理、侯珊瑚、陳念慈、吳宗柏共同展出，無論是以其簡練的筆法，獨到的觀點，亦或是創新的語彙；各種不同媒材與表現方式，相互對話交織成空間的光之維度，投射出一處與世隔絕的心靈安頓所，透明澄澈地反射到觀者自身。
王舒野為新䑃朧主義之發起藝術家，1963年出生於黑龍江省，1990年移居日本，十年間未發表作品，為探究宗教、哲學等精神思想和深究視覺藝術表現而默修獨研。提出＂裸視時空＂的概念，即去掉以人的區分意識來劃定時空的差別化外衣，而觀照時空世界赤裸的無差別自然真實，創立了 “裸視時空”視覺方式的獨特繪畫表現，2001年以來，在日本的池田20世紀美術館著名藝術機構舉辦個人藝術展。2011年獲得日本文部科學省文化廳主辦的文化基金"TAKASHlMAYA美術獎"，現為獨立藝術家，生活於北京和日本鎌倉。
王舒野的作品，一張宣紙就是他修行的法器，一層宣紙上似乎有著前世的記憶，尤其是宋代山水畫的痕跡，這既是圖像集（Atlas）的喚醒，也是古典影像虛化後的餘留，如同虛焦的拍攝處理，提出無差別觀看的方法論，以不帶偏見也不帶情感的筆觸，外在似乎碎散了形象，但也讓事物進入了內心，沒有經過內心的洗禮，就不可能感受到其永恆性。
田衛，1973 生於北京，畢業於首都師範大學美術系國畫專業，之後分別跟隨中央美院賈又福先生、清華美院杜大愷先生研習國畫。田衛充分利用水墨的滲染性，最大激發水墨的呼吸性，讓宣紙以最大的潛能來吸收水與墨，再通過墨色的層次變化，逼出畫面中心的那道白光。一張宣紙，每一次都是重新的開始，宣紙就是在煩惱與菩提之間摺疊成一道虛薄的窗門，充滿靈暈的世界與此時的凡俗世界之間，只有這一張張宣紙。在面對宣紙的持久工作中，每一次的滲染，似乎僅僅是讓宣紙變得夢幻泡影，似乎一切的工作不過是浮世無意義的勞作。或者，一次次筆痕墨色的重複勞作，只是虛無的氣息。但隨著藝術家堅韌的工作，耐心的等待，在幾十遍與幾百遍之後，作品最後的成色，賦予了水墨從未有過的抽象神聖性，光與氣融合的靈光。
何理2011年從台北發跡，何理為跨領域整合創新團隊，透過裝置設計跳脫平面視覺界線，創造新的經驗，為嚴肅的藝術帶來更多期待，同時也為科技注入新的美感體驗，企圖給予觀眾更多的身體經驗，在空間中建造真實的幻象，在熱帶中下一場大雪，在平靜中撒一把花叢，錯置時間和空間。團隊集合了跨領域專業人士，從藝術家、機械工程師到設計師等，跨越領域間的隔閡，激盪出更多的想像也使科技保有人性溫度，仿造自然地景，擷取心靈的片刻，透過科技新生新的經驗，創作電子地景。
侯珊瑚，同一時間於大象藝術空間館展出「墨化釉色：侯珊瑚的态象水墨展」，1962年生於北京，從小受到傳統油畫的訓練的她，在1993年時移居到紐約，在當時，她第一次親眼看見行動繪畫的原作並深深受其吸引，而後搬到佛羅里達州後，開始以表現性繪畫來琢磨她既熟悉又陌生的水墨藝術。
在全新的作品中珊瑚找到了自己顏色生成的密碼，這是從未有過的顏色生成機制，這是侯珊瑚自己所發現的一種新的顏色原理，這是中國水墨與西方顏料對話後，因為墨的活化作用，生成出新的色調，如釉色，如瓷器的溫潤玉質感，這是最為具有東方性的質感還原。背景處的底色與前景的墨骨就不再分離，而是彼此共生。一旦墨色微妙地滲透到顏料之中，讓顏色在暈化中，其色彩的明亮與含蓄，顏色被墨色化開時留下的微妙肌理，都是顏料自身的化合作用，也是之前的作品所沒有的。
陳念慈，1969年生於雲林台灣，1997 年東海大學美術系碩士畢，現居花蓮。
我們看見陳念慈的作品就知道，藝術是一種修行，我們能否不在意藝術作品外在的形象，而是在最簡單的一根細線中看見藝術，就像是朝如青絲暮成雪，從青絲到白髮，就如同陳念慈自己的歲月。我們無法理性的得知陳念慈筆下的細線為何綿延不斷，只有在陳念慈自身的修行中她才能知道。
─蔣勳
一條線，可以只是描繪造型，或是筆在紙上走過的痕跡，但是回首她所走過的生命歷程，這卻是一個自我印證與提煉的過程，因而賦予了線條在畫面上的生命感。我相信她的作品不僅可以跨越古典與當代的藩籬，更可以昂然的立足於當代的華人水墨界。
─吳超然 (東海大學美術系助理教授)
吳宗柏，1987年出生於台灣，作品中人工智慧彷彿羅丹沈思者的動作，不同於羅丹沈思者表現人類的情感，人工智慧與人類最大不同的正是AI不帶有人類的情感，科技以理性運算幫助，是否能幫助人類提升以及解決地球現有的環境問題?
已持續多年參與Art Taipei 盛事的大象藝術，在每次展演中，一次次的受到矚目，今年，將結合「自然生滅之理」與「藝術創作之初」，讓觀者在大象藝術打造的場域中，與自己內心風景達到平衡的默契。